Соколова Светлана Владимировна
педагог дополнительного образования
по классу фортепиано
МБУДО «Детская музыкальная школа №2
им. А. Т. Гараева»
Елабужского муниципального района
г. Елабуга, Республика Татарстан
По опыту работы много можно говорить по этой теме, но хочется больше играть. Результат моей работы – выступление детей на сцене. Когда маленький ребёнок приходит в класс, начинает играть по одной нотке в ансамбле, а на второй, третий урок играет понравившиеся мелодии. Он не один, это снижает страх игры в ансамбле. В моём классе дети занимаются ансамблем давно. Ансамблевая игра-это дружеская атмосфера, ребёнок чувствует себя полноценным при игре в ансамбле. Он раскрепощен, у него вырабатываются технические навыки, внимание, ответственность, целеустремленность, умение слушать другого. Когда ребёнок играет сольно, он играет замечательно. В ансамбле они меняются, помогают, вместе решают многие вопросы (темп, штрихи). Ансамбль- переводится с французского «вместе». В последние годы заметно возрос интерес к ансамблевой игре. Сегодня ансамблевое исполнительство успешно развивается по всему миру как в профессиональной культуре (академической, эстрадной, фольклорной), так и в любительской сфере. Поэтому в условиях коллективных форм музицирования, каковыми являются ансамбли, необходимо так построить учебный процесс, чтобы овладение навыками ансамблевой игры нашло свое практическое применение в жизни учащихся, впоследствии необходимое им для участия в самодеятельных музыкальных коллективах, а также для дальнейших занятий в ансамблевых классах профессиональных музыкальных учебных заведений.
Специфика ансамблевого музицирования
В музыкальной среде бытует мнение, что работа в классе ансамбля мало чем отличается от работы в классе специальности, где ставятся всё те же задачи: совершенствование исполнительского и технического мастерства. Но это только на первый взгляд. На самом деле есть ряд существенных отличий. Прежде всего, ансамблевая игра воспитывает у исполнителя ряд ценных профессиональных качеств:
- дисциплинирует в отношении ритма, даёт ощущение нужного темпа;
- способствует развитию мелодического, гармонического, полифонического и тембрального слуха;
- вырабатывает уверенность, помогает добиться стабильности в исполнении.
Ансамбль как форма коллективного творчества воспитывает такое качество, как умение находить общий язык друг с другом, умение притираться друг к другу. От этого зависит та непринужденно – деловая обстановка, тот психологический климат, которые будут способствовать плодотворным занятиям. Учащихся сплачивает общая цель, общая идея, менее яркие дети подтягиваются до уровня более сильных. И с данной точки зрения ансамблевая игра несёт в себе немалый воспитательный заряд.
Работа в ансамблевом классе открывает новые возможности:
- Становятся доступными для исполнения многие произведения камерной, хоровой, органной и симфонической музыки.
- В ансамбле можно выделить тот или иной голос на фоне звучания других, что вообще ценно, особенно в полифонических произведениях.
- В ансамбле вырабатывается ценный навык – умение распределить в процессе игры внимание по многим каналам, что организует и дисциплинирует мозг ребёнка, а это приводит, прежде всего, к развитию умственных способностей.
- Ансамбль располагает более богатыми тембровыми возможностями. Особенно интересна работа в смешанных ансамблях, в состав которых входят различные инструменты.
- Играющий в ансамбле имеет возможность соревноваться с другими партнёрами в мастерстве. Это как маленький театр: кто лучше сыграет свою роль? А, как известно, дух соревнования, дух соперничества у детей рождает заинтересованность.
Из сказанного выше можно сделать вывод: ученик, никогда не игравший в ансамбле, многого лишён, потому что польза от совместного музицирования очевидна.
Основы ансамблевой техники
«Совместное музицирование» – это дело далеко не простое. Навыки ансамблевой игры не приходят так быстро, как иногда кажется. Творческая лаборатория ансамбля слишком сложна для детей. Чего стоит, например, всем одинаково почувствовать темп, уловить незначительные отклонения от него, взять одновременно аккорд, выполнить цезуры, а главное, чтобы всё это выходило естественно и непринуждённо, как бы само по себе.
Поэтому первая проблема, которая возникает тут же при создании ансамбля, – подбор кандидатов на роль той или другой партии. Надо учитывать, что к моменту начала работы учащиеся должны владеть основными навыками игры на инструменте – приёмами звукоизвлечения, владения штрихами, аппликатурными приёмами; должны хорошо разбираться в понятиях организации игровых движений и так далее. Чаще всего подбирают равноценных детей, учитывая личные качества ученика, такие, как: дисциплинированность, усидчивость, работоспособность и так далее.
Следует объединить 2 человека, которые могут, хотят работать, а главное, проявляют к этому интерес. Вот тогда каждый из членов ансамбля выносит определённую пользу с уроков. Попытаемся определить, какие элементарные навыки должны быть содержанием «азбуки» совместного исполнения.
К первым шагам в овладении «ансамблевой техникой» можно отнести следующие навыки:
- способы достижения синхронности при взятии и снятии звука и на протяжении исполнения всего произведения;
- равновесие звучания в аккордах, разделённых между партнёрами;
- согласование приемов звукоизвлечения;
- передача голоса от партнёра к партнёру;
- соразмерность в сочетании нескольких голосов, исполняемых разными партнёрами;
- соблюдение общности ритмического пульса и темпа.
Следует начать разговор с умения слушать – слушать не только то, что играешь сам, а одновременно и то, что играет твой партнёр, а правильнее сказать, – общее звучание обеих партий, сливающихся в органически единое целое. Это составляет основу совместного исполнительства во всех его видах. Недостаточно сказать ученику: «Ты не слушаешь своего партнёра». Это приведёт к раздвоению фокуса внимания, нечёткому прослушиванию и того, и другого. Нужно слушать не его, не себя, а только общее звучание ансамбля. Замечание педагога: «Ты не слушаешь партнёра» должно восприниматься только так: «Ты не слушаешь, что у вас вместе получается».
Казалось бы, самая простая вещь – начать играть вместе. Однако точно и синхронно взять два звука – не так легко. Это требует большой тренировки и взаимопонимания. В ансамбле должен быть исполнитель, выполняющий функции дирижёра. Он обязан показывать вступления, снятия, замедления и так далее. Сигнал к вступлению – небольшой кивок головы, состоящий из двух моментов: едва заметное движение вверх (как бы ауфтакт, «вдох») и затем чёткое движение вниз («выдох») – это и есть сигнал к вступлению. Можно расшифровать иначе (движение головы вверх – «и», вниз – «раз»). Следует посоветовать одновременно с этим жестом обоим исполнителям взять дыхание (в самом прямом смысле – сделать вдох). Это делает начало исполнения естественным, органичным, снимает напряжение.
Когда произведение начинается из-за такта, то сигнал по сути такой же, с той лишь разницей, что если в первом варианте при подъёме головы была пауза, то в данном случае она заполняется звучанием затакта.
Необходимо обратить внимание на то, что не меньшее значение, чем синхронное начало и звучание всей пьесы, имеет и синхронное окончание, «снятие звука». «Рваные», «лохматые» аккорды, в которых одни звуки длятся дольше других, загрязняют, уродуют паузу и производят самое неприятное впечатление. Надо отметить, что синхронность звучания в пьесах активного характера достигается быстрее, нежели в пьесах задумчивого, созерцательного плана. Сыграв первую фразу удачно, ребята не всегда могут начать вторую фразу одновременно. Временное представление о цезуре у каждого участника ансамбля может быть своим. На помощь приходит организация игровых движений правой руки. Необходимо использовать кистевое движение. Оно несёт в себе функцию «дыхания», которым заполняется временное пространство цезуры, и тем самым способствует достижению синхронности звучания. Кистевые движения могут быть использованы как ориентиры в ансамблевой игре, нести в себе функцию дирижёрского жеста. Благодаря «дыханию» руки игра становится более осмысленной и выразительной. Организация игровых движений в ансамбле играет важную роль в синхронном звучании. Поэтому с первых же тактов исполнения в ансамбле от участников требуется полная договорённость о приёмах игры.
О динамике исполнения
В процессе работы с ансамблевыми коллективами необходимо помнить о динамике исполнения. Наиболее распространённый недостаток ученического исполнения – динамическое однообразие. Всё играется по существу на mf и f. Редко услышишь на первых уроках красивое p, надо объяснить ученикам, что динамический диапазон должен быть шире, чем при сольной игре. Очень важно добиться от ученика ясного представления о градациях forte. Нужно определить кульминацию и посоветовать играть f с запасом, а не на «пределе». Что касается p и его градаций mp и pp, то сразу достичь нужных результатов не удастся, т.к. работа над звуком – это область огромного труда.
Различные элементы музыкальной фактуры должны звучать на разных динамических уровнях. Звучание ансамбля не может быть художественно полноценным вне дифференциации голосов, вне определённого, с точки зрения динамики, их соотношения. К. Игумнов призывал своих учеников прислушиваться к тому, что «как в живописи, так и в музыке ничего не выйдет, если всё будет иметь равную цену. Необходимо, чтобы главные элементы были сделаны рельефными, освещены светом, а второстепенные оставлены в тени или в полутени… В музыке, как и в живописи, есть передний и задний план».
Ритм как фактор ансамблевого единства
Особое место в совместном исполнительстве занимают вопросы, связанные с ритмом. Действительно: что помогает ансамблистам играть вместе? Если ответить кратко – ощущение метроритма. Он, по существу, выполняет функцию дирижёра в ансамбле. Ощущение сильных и слабых долей такта, с одной стороны, и ритмическая определённость «внутри такта» с другой, – это тот фундамент, на котором основывается искусство ансамблевой игры.
Малозаметные в сольной игре ритмические недочёты в ансамбле могут резко нарушить целостность звучания, дезориентировать партнёров и быть причиной «аварий» при выступлении. Ансамбль требует от участников уверенного, безупречного ритма. Как же добиться, чтобы каждый из участников, исполняя свою партию, укреплял ритмическую основу всего ансамбля? Необходимо систематически и настойчиво работать в этом направлении. В ансамбле, разумеется, могут быть исполнители, у которых по-разному развито чувство ритма. В процессе работы надо перейти к общему знаменателю, т.е. выработать общее ощущение ритма. А начать следует с воспитания чувства абсолютно точного, «метрономного» ритма. Он и станет объединяющим началом в общем «коллективном» ритме, включающем и известную свободу. Следует подчеркнуть, что допустимая на первом этапе занятий некоторая схематизация ритма в дальнейшем категорически неприемлема: ритм должен быть живым, гибким, выразительным.
Отсутствие ритмической устойчивости часто связано со свойственной некоторым учащимся тенденцией к ускорению. Обычно это происходит при нарастании силы звучности (эмоциональное возбуждение учащает ритмический пульс) или в стремительных пассажах, когда неопытному музыканту начинает казаться, что он скользит по наклонной плоскости; а также в технически сложных для него местах. Технические трудности вызывают желание возможно скорее «проскочить» опасные такты (бывает и наоборот: преодолевая их, ученик замедляет темп). При объединении в дуэте двух человек, страдающих таким недостатком, «минус» на «минус» не даёт, к сожалению, «плюса». Каждый из партнёров ускоряет движение, возникшее, accelerando развивается с неумолимостью цепной реакции и увлекает участников ансамбля к неизбежной катастрофе. Свойственный обоим партнёрам недостаток в совместной игре становится сразу заметным и очевидным исполнителям. Если этот недостаток присущ только одному из участников, то второй оказывается верным союзником и помощником педагога. Таким образом, в условиях совместных занятий возникают некоторые благоприятные возможности для исправления не только общих, но и индивидуальных погрешностей исполнения. Руководитель должен этим умело воспользоваться.
На основе приобретённых учащимися знаний, умений и навыков работы в классе ансамбля развиваются музыкально-творческие способности учащихся, которые являются главной целью учебного процесса. Когда юные музыканты впервые получат удовлетворение от совместно выполненной работы, почувствуют радость объединенных усилий, взаимной поддержки, можно считать, что занятия в классе дали принципиально важный результат. Пусть исполнение при этом ещё далеко от совершенства это не должно смущать педагога, всё можно исправить дальнейшей работой. Ценно другое – преодолен рубеж, разделяющий солиста и ансамблиста, участники коллектива смогли почувствовать своеобразие и интерес совместного исполнительства.
В заключение хотелось бы добавить, что работа с ученическим ансамбле, – это огромный, кропотливый труд, однако, заниматься этим стоит хотя бы потому, что такая работа предоставляет как педагогу, так и детям огромный простор для творчества, а сам процесс при всех его трудностях дает серьезный импульс к развитию ребенка и ни с чем не сравнимую радость приобщения к искусству. На определённом этапе музыкальных занятий и при определённых условиях развития ученика, именно ансамблевая игра может стать основой его концертных выступлений, дополнить и украсить его выступления в ходе различных аттестационных мероприятий, усилить мотивацию к дальнейшему музыкальному образованию.
В конце работы нужно всегда ребёнка поблагодарить. Провести рефлексию, что получилось, что нет. Ведь игра в ансамбле даёт вашим детям радость в творчестве!!
Список используемой литературы
- Готлиб А. Основы ансамблевой техники. – М., 1971.
- Ушенин В. Школа ансамблевого музицирования. – Ростов н/Д.: Феникс, 2011.
- Крюкова В. Музыкальная педагогика. – Ростов н/Д.: Феникс, 2002.
